4-1 | Scandals of Horror | Table of Contents

Article Abstracts

The Val­ley of the Shad­ow of Death | Johannes Birringer

"The Val­ley of the Shad­ow of Death" is a brief med­i­ta­tion on the refrac­tion of sun­sets over des­o­lat­ed land­scapes, pho­tog­ra­phy of war, and the viewer's rela­tion­ship to the death of the sub­lime. The essay ref­er­ences the Muse­um of Fine Arts Hous­ton exhi­bi­tion "WAR/PHOTOGRAPHY: Images of Armed Con­flict and Its After­math" (2012-13) cit­ing one of Roger Fenton's famous manip­u­lat­ed pic­tures from the Crimean war (1856) show­ing an emp­ty land­scape with cannonballs.

Hor­ror and the Body: Under­stand­ing the Rework­ing of the Genre in Mari­na de Van's Dans ma peau/In my Skin (2001) | Romain Chareyron

This arti­cle explores how Mari­na de Van’s con­fronta­tion­al rep­re­sen­ta­tion of the human body, in her film Dans ma peau/In my Skin (2001), should be under­stood as a rein­ter­pre­ta­tion of cer­tain major themes in the hor­ror genre. More specif­i­cal­ly, I exam­ine how de Van’s mise-en-scène bor­rows from the genre of hor­ror, both on a visu­al and a tech­ni­cal lev­el, to decon­struct the mean­ings ini­tial­ly attached to the rep­re­sen­ta­tion of the body in pain found in horror’s nar­ra­tives. I argue that a close analy­sis of the tex­tur­al prop­er­ties of the image allows for a reap­praisal of the onscreen pres­ence of the wound­ed body, this body depart­ing from horror’s straight­for­ward visu­al reg­i­men, to open up a space for the character’s sub­jec­tiv­i­ty to emerge. I also posit that the use of the close-up on images of blood and scars, while being rem­i­nis­cent of horror’s treat­ment of the body, becomes a vehi­cle for the unleash­ing of the character’s unmedi­at­ed dri­ves to explore her own flesh and to reach a new lev­el of self-awareness.

Hard-Boiled Tabloid: Hap­pi­ly Low-Brow | Bar­bra Churchill

This short essay dis­cuss­es Amer­i­can tabloid pho­tog­ra­phy from the 1920s and 30s.  The essay argues tabloid images of gang­sters and mur­der scenes by Weegee and oth­ers are free from aca­d­e­m­ic restraints, and, instead, they hap­pi­ly remain “low-brow.”

Beau­ti­ful Junkies:  Images of Degra­da­tion in Requiem for a Dream | Renée R Curry

In Dar­ren Aronofsky’s 2000 film, Requiem for a Dream, based on Hubert Sel­by Jr.’s 1978 nov­el, he depicts extreme close-up images of hero­in as it cooks, boils, enters a vein, and then pass­es into the body at the cel­lu­lar lev­el.  The cells siz­zle as hero­in numbs them. The close-ups and siz­zling sounds repeat them­selves more and more fre­quent­ly as our four main char­ac­ters dis­in­te­grate through the process of becom­ing junkies. These images and oth­ers pro­vide vivid, hor­rif­ic, and exquis­ite visu­al ren­der­ings of the addic­tion process, while simul­ta­ne­ous­ly pro­vid­ing stark evi­dence of heroin’s take-over of the body, mind, and eth­i­cal capa­bil­i­ties. The images of heroin’s all-encom­pass­ing con­trol of the body at its foun­da­tion­al lev­el do not glo­ri­fy heroin’s pow­er in Aronofsky’s film; these images serve as doc­u­ments of pure hor­ror. The degra­da­tion is dev­as­tat­ing, thor­ough, real, and scar­ring.  Aronof­sky describes his film as a mon­ster movie, a mod­ern hor­ror film.  And, it is not the type of film in which redemp­tion occurs.  The stark and indi­vid­ual soli­tude of each char­ac­ter at the end of the film can­not be eas­i­ly pen­e­trat­ed by sobri­ety or love any­time in the fore­see­able future.

The Rwan­dan Geno­cide in Film, and A Sun­day in Kigali: Watch­ing with a Pierced Eye | Piet Defraeye

Susan Son­tag reminds us that film and pho­tog­ra­phy have an extreme­ly demo­c­ra­t­ic heuris­tic poet­ics, and are qua­si-uni­ver­sal­ly acces­si­ble for sig­ni­fi­ca­tion, though at the same time, it almost always implies a prime tar­get audi­ence. The many films that have come out on the Rwan­dan geno­cide (1994) are no excep­tion. Film has been a prime access source to this bloody event and dom­i­nates, par­tic­u­lar­ly in the West, our remem­brance and under­stand­ing of one of the most intense and gru­el­ing polit­i­cal con­flicts in African his­to­ry. All these films strug­gle with a com­pul­sive need for struc­tured nar­ra­tion, whether it is in their fable, or in the visu­al rep­re­sen­ta­tion itself, while the his­tor­i­cal events were cer­tain­ly not expe­ri­enced as part of a lin­ear struc­ture. At the same time, the films aim for his­tor­i­cal cred­i­bil­i­ty, or truth­ful­ness, which is ren­dered through a vari­ety of filmic approach­es. The arti­cle dis­cuss­es the fic­tion­al­iza­tion of geno­cide through film, and prob­lema­tizes the qua­si-unavoid­able doc­u­men­tary effect of filmic iter­a­tion. Robert Favreau’s Un Dimanche à Kigali is ana­lyzed in greater detail, as it offers spe­cif­ic strate­gies to the prob­lem of filmic rep­re­sen­ta­tion of geno­ci­dal violence.

Con­tem­po­rary Arab Music Video Clips: Between Sim­u­lat­ing MTV’s Gen­der Stereo­types and Fos­ter­ing New Ones | Ouidyane Elouardaoui

MTV was the first 24-hour cable net­work to con­tin­u­ous­ly broad­cast music videos in the 1980s, thus estab­lish­ing the genre. Gen­er­al­ly, Arab music video clips dif­fer from West­ern-pro­duced music videos, because artists are com­pelled to abide by the con­ser­v­a­tive cul­tur­al norms of Arab soci­eties. How­ev­er, most Arab music videos, par­tic­u­lar­ly those pro­duced in the last decade, reaf­firm West­ern gen­der stereo­types intrin­sic to those pro­duced by MTV. Con­tem­po­rary Arab music videos for the most part sim­u­late an MTV aes­thet­ic vocab­u­lary of a gaze that fea­tures female sex­u­al­i­ty and nar­ra­tives of seduc­tion. Some new Arab pro­duc­ers, nonethe­less, have attempt­ed to avoid repro­duc­ing MTV-based gen­der clichés, but have instead cre­at­ed new gen­der mis­con­cep­tions. These pro­duc­tions empha­size depic­tions of women as untrust­wor­thy and impetu­ous.  Final­ly, I dis­cuss how young Arab singers have con­stant­ly been con­front­ed by the ire of region­al­ly promi­nent reli­gious fig­ures who denounce the music videos’ endorse­ment of “anti-Islam­ic” prin­ci­ples. I con­tend that Stu­art Hall and Pad­dy Whannel’s ear­ly analy­sis of reac­tions against pop­u­lar music styles among British youth as a form of cul­tur­al trans­gres­sion remains rel­e­vant to under­stand­ing the cul­tur­al style of Arab youth as expressed through pop­u­lar musi­cal performance.

A Sur­re­al Land­scape of Dev­as­ta­tion: An Analy­sis of Lee Miller’s Grim Glo­ry Pho­tographs of the Lon­don Blitz | Lynn Hilditch

As sur­re­al­ist war doc­u­ments, Lee Miller’s war pho­tographs of the Lon­don Blitz, pub­lished in Ernes­tine Carter’s Grim Glo­ry: Pic­tures of Britain Under Fire (1941), effec­tive­ly demon­strate what Susan Son­tag referred to as “a beau­ty in ruins”. Miller’s Blitz pho­tographs may be deemed aes­thet­i­cal­ly sig­nif­i­cant by con­sid­er­ing her Sur­re­al­ist back­ground and by ana­lyz­ing her images with­in the con­text of André Breton’s the­o­ry of “con­vul­sive beau­ty”. There­fore, this essay aims to demon­strate how Miller’s pho­tographs not only depict the chaos and destruc­tion of Britain dur­ing the Blitz, they also expose Surrealism’s love of strange, evoca­tive or humor­ous jux­ta­po­si­tions in the form of artis­tic visu­al rep­re­sen­ta­tions of a tem­po­rary sur­re­al land­scape filled with fall­en stat­ues and bro­ken typewriters.

In Search of Authen­tic­i­ty: Time and Space in Russ­ian Hor­ror Film | Vol­ha Isakava

The paper looks into recent Russ­ian hor­ror films, explor­ing how the genre con­ven­tions asso­ci­at­ed with Hol­ly­wood are trans­formed and upheld in Russ­ian cin­e­ma. The paper argues that the use of space, par­tic­u­lar­ly urban venues, in hor­ror films estab­lish­es a sense of authen­tic­i­ty and marks oth­er­wise deriv­a­tive gener­ic pro­duc­tions as unique­ly Russ­ian. The films exam­ined are Night and Day Watch duol­o­gy (2004, 2006), Track­man (2007) and Dead Daugh­ters (2007); all are set in con­tem­po­rary Moscow.

“We are Resilient by Force, not by Choice”—Terrifying Bom­bay in New Bol­ly­wood Cin­e­ma | Mehe­li Sen

As the home of the Hin­di film indus­try, Bom­bay has occu­pied cen­ter stage in Bollywood’s imag­i­nary of the mod­ern metrop­o­lis. Over the last decade, how­ev­er, cin­e­mat­ic rep­re­sen­ta­tions of Bom­bay have under­gone dras­tic trans­for­ma­tions: from being the ter­rain of gang war­fare in the 80s and 90s, the cin­e­mat­ic city has become the pri­ma­ry tar­get and habi­tat of glob­al ter­ror­ism. Bollywood’s ren­di­tion of a city per­pet­u­al­ly under siege res­onates with the series of attacks that have plagued the hap­less metrop­o­lis since 1993. I inter­ro­gate Bollywood’s shift­ing rela­tion­ship with its home­town and its audi­ences via two land­mark films—A Wednes­day and Aamir (2008). I am espe­cial­ly inter­est­ed in the dialec­tics of ordi­nar­i­ness and extra­or­di­nar­i­ness that inflect artic­u­la­tions of the city and its cit­i­zen­ry. In both films a ‘com­mon’ indi­vid­ual is called upon to per­form uncom­mon tasks in order to nego­ti­ate the space of poten­tial dev­as­ta­tion that is now Bom­bay. Spec­tac­u­lar per­for­mances of tech­nolo­gies and styl­is­tic devices gen­er­ate the cin­e­mat­ic city as an affec­tive locus of dread. I pay spe­cial atten­tion to cin­e­matog­ra­phy and edit­ing, which enable the filmic fig­u­ra­tion of the city in these recent films.

About the Contributors

Bir­ringer, Johannes: Johannes Bir­ringer is a chore­o­g­ra­ph­er and artis­tic direc­tor of Ali­en­Na­tion Co (www​.ali​en​na​tion​com​pa​ny​.com), and pro­fes­sor of per­for­mance tech­nolo­gies at Brunel Uni­ver­si­ty, Lon­don. He has direct­ed numer­ous mul­ti­me­dia the­atre, dance, and dig­i­tal per­for­mances in Europe, the Amer­i­c­as, Chi­na and Aus­tralia; col­lab­o­rat­ed on site-spe­cif­ic instal­la­tions, and exhib­it­ed work at film and video fes­ti­vals. His inter­ac­tive dance instal­la­tion "Suna no Onna" was per­formed at the Laban Cen­tre in 2007, and his mixed real­i­ty instal­la­tion "UKIYO [Move­able Worlds]" pre­miered in 2009 before tour­ing East­ern Europe in 2010. He found­ed a lab­o­ra­to­ry (http://​inter​ak​tion​sla​bor​.de) pro­vid­ing artist res­i­den­cies for col­lab­o­ra­tive inter­ac­tive and screen-based per­for­mance projects, and co-directs the DAP-Lab (http://​www​.brunel​.ac​.uk/​dap), con­duct­ing research into sen­sor chore­og­ra­phy, wear­able com­put­ing and soft tech­nolo­gies. His cur­rent pro­duc­tion, "for the time being", is a futur­ist dance opera.

Charey­ron, Romain: Romain Charey­ron received his Ph.D. in con­tem­po­rary French cin­e­ma and Fran­coph­o­ne cul­ture at the Uni­ver­si­ty of Alber­ta (Edmon­ton, Cana­da) in 2010. His research seeks to ana­lyze the grow­ing influ­ence of the gen­res of hor­ror and pornog­ra­phy in con­tem­po­rary French main­stream cin­e­ma. His cur­rent research focus­es on the cul­tur­al and aes­thet­ic impli­ca­tions of the con­cept of “mon­stros­i­ty” in con­tem­po­rary French cin­e­ma. His work has already led to var­i­ous pre­sen­ta­tions in Europe and North Amer­i­ca as well as pub­li­ca­tions in inter­na­tion­al reviews. He cur­rent­ly holds a Senior lec­tur­er posi­tion in the French and Ital­ian depart­ment, at the Uni­ver­si­ty of Kansas.

Churchill, Bar­bra: Bar­bra Churchill teach­es in Com­par­a­tive lit­er­a­ture Pro­gram, Uni­ver­si­ty of Alber­ta. Her research inter­ests include Pop­u­lar Fic­tion & Cul­ture (esp. the Pop­u­lar Romance); Lit­er­a­ture & the Visu­al Arts (esp ear­ly 20th cen­tu­ry modernist/avant garde).

Cur­ry, Renée R.: Renee R. Cur­ry is Pro­fes­sor of Lit­er­a­ture and for­mer Dean of the Col­lege of Arts, Human­i­ties, and Social Sci­ences at Cal­i­for­nia State Uni­ver­si­ty Mon­terey Bay. She has pub­lished numer­ous schol­ar­ly arti­cles and books on lit­er­a­ture and film through­out her twen­ty-three year career as a schol­ar. Most recent­ly, she has been research­ing the films of direc­tors, Dar­ren Aronof­sky and Woody Allen.

Defra­eye, Piet: Piet Defra­eye is a dra­ma the­o­rist, crit­ic and direc­tor, who taught and direct­ed in Bel­gium, Toron­to, and Fred­er­ic­ton (N.B.) and at the Uni­ver­si­ty of Alber­ta (Edmon­ton). He has pub­lished on Irish and Que­bec The­atre, Ger­man con­tem­po­rary per­for­mance, film/opera and the­atre, and gender/queer the­o­ry and Recep­tion The­o­ry. He has embarked on a large research project that focus­es on the iter­a­tion of geno­cide in Cul­tur­al Dis­course with a spe­cial focus on Rwan­da. His most recent cre­ation is linked to his research on geno­ci­dal rep­re­sen­ta­tion with his the­atri­cal adap­ta­tion of Ray­mond Federman’s The Voice in the Clos­et (2012).

Elouardaoui, Ouidyane: Ouidyane Elouardaoui is a Ful­bright PhD can­di­date (ABD) in the film and media depart­ment at the Uni­ver­si­ty of Cal­i­for­nia, San­ta Bar­bara. Her cur­rent research inter­ests include con­tem­po­rary Arab media, melo­dra­ma and spec­ta­tor­ship. Her pub­li­ca­tions that include “Mex­i­can Telen­ov­e­las in Moroc­co: The Local­iza­tion Process and its Lim­i­ta­tions” and “Arabs in Post 9/11 Hol­ly­wood Films: A Move toward a more Real­is­tic Depic­tion?” appear in the inter­na­tion­al jour­nal of Ami­ty School of Com­mu­ni­ca­tion, 2011 and in Pur­due Uni­ver­si­ty e-Pubs, 2011.

Hilditch, Lynn: Lynn Hilditch has a Ph.D from the Uni­ver­si­ty of Liv­er­pool and has lec­tured on var­i­ous aspects of the visu­al arts and cul­ture, includ­ing film his­to­ry and the­o­ry, pho­tog­ra­phy and mod­ernism, pho­to­jour­nal­ism, and aes­thet­ics. Her research inter­ests include the depic­tion of war and destruc­tion in art and pho­tog­ra­phy, rep­re­sen­ta­tions of the Holo­caust in the visu­al arts, and the socio-his­tor­i­cal rep­re­sen­ta­tion of gen­der in twen­ti­eth-cen­tu­ry pop­u­lar cul­ture. Lynn’s doc­tor­al research focused specif­i­cal­ly on the Sec­ond World War pho­tog­ra­phy of the Amer­i­can Sur­re­al­ist and war cor­re­spon­dent Lee Miller and explored how Miller’s war pho­tographs may be ana­lyzed as exam­ples of ‘sur­re­al doc­u­men­tary.’ Lynn has pub­lished work on var­i­ous aspects of visu­al cul­ture includ­ing book arti­cles on Lee Miller’s war pho­tog­ra­phy, aes­thet­ics and war, sur­re­al­ism and pho­tog­ra­phy, mem­o­ry and memo­ri­al­iza­tion, and ‘fan cul­ture’ relat­ing to the pub­lic per­sona of Audrey Hep­burn. Lynn is a mem­ber of the Desmond Tutu Cen­tre for War and Peace Stud­ies at Liv­er­pool Hope University.

Isaka­va, Vol­ha: Vol­ha Isaka­va is a Replace­ment Assis­tant Pro­fes­sor of Russ­ian at the Uni­ver­si­ty of Ottawa, Cana­da. Her research inter­ests include con­tem­po­rary Russ­ian and post-Sovi­et cin­e­ma and cul­ture, transna­tion­al cin­e­ma and the crit­i­cal junc­tion of cin­e­ma and his­to­ry. She recent­ly grad­u­at­ed from the Uni­ver­si­ty of Alber­ta where she wrote her doc­tor­al the­sis about the cin­e­ma of per­e­stroi­ka and how its his­toric tran­si­tion has been reflect­ed in Russia's arguably bleak­est cin­e­mat­ic trend - "black films" or chernukha.

Lozowy, Andriko: Andriko Lozowy (PhD Uni­ver­si­ty of Alber­ta) is a pho­tog­ra­ph­er-researcher based in Cana­da. Andriko is cur­rent­ly work­ing to devel­op prac­tice based approach­es to col­lab­o­ra­tive and visu­al meth­ods. Andriko's cur­rent focus is on build­ing con­nec­tions between North­ern and remote First Nations and Metis com­mu­ni­ties in Canada.

Oni­ta, Adri­ana: Adri­ana Oni­ta was born in Bucharest, Roma­nia and has an hon­ours degree in Romance Lan­guages. She is cur­rent­ly pur­su­ing her grad­u­ate stud­ies in Span­ish at the Uni­ver­si­ty of Alber­ta while work­ing at the Art Gallery of Alber­ta as a bilin­gual edu­ca­tor. As a poet, Adri­ana has stud­ied under Bert Almon, Shaw­na Lemay and Derek Wal­cott, both in Edmon­ton and in St. Lucia.

Schlüter, Daniela: Daniela Schlüter grew up on a farm in Süd­lohn, Ger­many. Fol­low­ing her stud­ies in Print­mak­ing, Illus­tra­tion and Design at the Ruhrakademie Schw­erte and at the Fach­hochschule Mün­ster, Ger­many, she took her MFA in Print Media at Con­cor­dia Uni­ver­si­ty, Mon­tre­al, Cana­da in 2004 under the DAAD and Grad­u­ate Fel­low­ship scheme. In 2003 and 2004 she won besides oth­ers the HEXAGRAM prize of the Insti­tute for Research/Creation in Media Arts and Tech­nolo­gies and a Schol­ar­ship from the Alde­gr­ev­er Gesellschaft Mün­ster. Her work con­sists of intaglio prints, mixed media on paper, video and artist books and was shown in solo and group exhi­bi­tions and bien­ni­als in the Unit­ed States, Cana­da, Europe and the Mid­dle East. In her work is the expe­ri­ence of the present world of frag­men­ta­tion, the bound­ary between the frag­men­ta­tion of the indi­vid­ual and the frag­men­ta­tion of social expe­ri­ence, which has all but dis­ap­peared. Her work is a med­i­ta­tion that takes its depar­ture from sym­bol­ic tra­di­tions. The sym­bol of the human genome is an expres­sion of human expe­ri­ence of hope and fear. Most of the images are com­mit­ted to under­stand­ing the lived real­i­ties of biotech­nolo­gies and life itself, offer­ing new ways of think­ing about them, and invit­ing a view­er to inter­act with them, by look­ing and dis­cov­er­ing the dif­fer­ent strands of nar­ra­tives. Daniela Schlüter pre­vi­ous­ly lived and worked in New York and taught as Assis­tant Pro­fes­sor at Feli­cian Col­lege in NJ, and is now Assis­tant Pro­fes­sor for Print­mak­ing at the Uni­ver­si­ty of Alber­ta in Edmon­ton, Cana­da and teach­es cours­es at the Druck­vere­ini­gung Bent­lage, Germany.

Sen, Mehe­li: Mehe­li Sen is Assis­tant Pro­fes­sor in the Depart­ment of African, Mid­dle East­ern, and South Asian Lan­guages and Lit­er­a­tures (AMESALL) and the Cin­e­ma Stud­ies pro­gram at Rut­gers Uni­ver­si­ty. Her pri­ma­ry research area is post-inde­pen­dence pop­u­lar Hin­di cin­e­ma, com­mon­ly referred to as ‘Bol­ly­wood’. She is espe­cial­ly inter­est­ed in how the filmic reg­is­ters of genre, gen­der and sex­u­al­i­ty nego­ti­ate spe­cif­ic moments in India’s trou­bled encoun­ters with moder­ni­ty and more recent­ly, glob­al­iza­tion. Sen’s work has been pub­lished in jour­nals such as The Jour­nal of the Mov­ing Image and South Asian Review, as well as in the edit­ed anthol­o­gy Bol­ly­wood and Glob­al­iza­tion: Indi­an Pop­u­lar Cin­e­ma, Nation, and Dias­po­ra. She is co-edit­ing an anthol­o­gy titled Fig­u­ra­tions in Indi­an Film, forth­com­ing from Pal­grave-Macmil­lan. Her cur­rent research engages ‘B’ gen­res, par­tic­u­lar­ly hor­ror, in the larg­er rubric of the Bol­ly­wood system.

Siemens, Ele­na: Ele­na Siemens is Asso­ciate Pro­fes­sor in the Depart­ment of Mod­ern Lan­guages and Cul­tur­al Stud­ies, Uni­ver­si­ty of Alber­ta. She is the author of The­atre in Pass­ing: A Moscow Pho­to-Diary (Intel­lect 2011), and edi­tor of two forth­com­ing col­lec­tions of essays, The Dark Spec­ta­cle: Land­scapes of Dev­as­ta­tion in Film and Pho­tog­ra­phy (Space and Cul­ture), and Scan­dals of Hor­ror (Imag­i­na­tions).

Résumés des articles

The Val­ley of the Shad­ow of Death | Johannes Birringer

Cet arti­cle est une médi­ta­tion brève autour de la réfrac­tion des couch­ers de soleil sur des ter­res désolées, de la pho­togra­phie de guerre, et le rap­port spec­ta­to­riel à la mort du sub­lime. S’y trou­ve une référence à l’exposition « WAR/PHOTOGRAPHY: Images of Armed Con­flict and Its After­math » (2012-2013, Muse­um of Fine Arts Hus­ton) qui cite une des pho­togra­phies manip­ulées célèbres de Roger Fen­ton sur la Guerre de Crimée (1856), illus­trant un paysage vide avec des boulets de canons.

Hor­ror and the Body: Under­stand­ing the Rework­ing of the Genre in Mari­na de Van's Dans ma peau/In my Skin (2001) | Romain Chareyron

Cet arti­cle pro­pose de con­sid­ér­er la représen­ta­tion con­frontante du corps humain par Mari­na de Van dans son film « Dans ma peau » (2001) comme une réin­ter­pré­ta­tion de cer­tains thèmes cen­traux au genre de l’horreur. Plus con­crète­ment, on mon­tre que Van emprunte au genre de l’horreur sur les plans visuel et tech­nique afin de décon­stru­ire les sig­ni­fi­ca­tions liées à la représen­ta­tion du corps souf­frant dans le réc­it d’horreur. On sou­tient qu’une analyse appro­fondie des car­ac­téris­tiques rel­a­tives à la tex­ture de l’image per­met une réé­val­u­a­tion de la présence sur l’écran du corps blessé, à par­tir du régime visuel de base du réc­it d’horreur. Cette réé­val­u­a­tion crée un espace où la sub­jec­tiv­ité du per­son­nage peut appa­raître. La représen­ta­tion en gros plan du sang et des cica­tri­ces rap­pelle le traite­ment du corps dans le cadre du genre de l’horreur. On sug­gère ultime­ment que cette représen­ta­tion devient un instru­ment pour que le per­son­nage qui déchaîne un désir spon­tané d’exploration de sa pro­pre chair afin d’atteindre une plus haute con­science de soi.

Hard-Boiled Tabloid: Hap­pi­ly Low-Brow | Bar­bra Churchill

Beau­ti­ful Junkies: Images of Degra­da­tion in Requiem for a Dream | Renée R Curry

Dans son film « Requiem for a Dream » en 2000, un film basé sur un roman de Hubert Sel­by Jr. de 1978, Dar­ren Aronof­sky a mon­tré, en très gros plan, des images d’héroïne cuisant et bouil­lant, puis entrant dans les veines et pro­gres­sant dans le corps au niveau cel­lu­laire. Les cel­lules grésil­lent à cause de l’héroïne qui les engour­dit. Ce proces­sus se répète de plus en plus sou­vent suiv­ant le proces­sus de dés­in­té­gra­tion des qua­tre per­son­nages prin­ci­paux qui devi­en­nent des junkies. Ces images four­nissent un réc­it visuel vif, raf­finé mais ter­ri­fi­ant, de la dépen­dance, et démon­trent la con­quête du corps, de l’esprit et des capac­ités éthiques par l’héroïne. Ces images agis­sent comme preuves que l’horreur pure existe. La dégra­da­tion est dévas­ta­trice, pro­fonde, réelle, et elle laisse des traces. Aronof­sky décrit son film comme un « mon­ster movie », un film d’horreur mod­erne dans lequel il n’y a pas de rédemp­tion. La soli­tude extrême de chaque per­son­nage à la fin du film ne sera pas facile­ment vain­cue ni par sobriété, ni par l’amour.

The Rwan­dan Geno­cide in Film, and A Sun­day in Kigali: Watch­ing with a Pierced Eye | Piet Defraeye

Susan Son­tag nous rap­pelle que le ciné­ma et la pho­togra­phie ont un poé­tique démoc­ra­tique et heuris­tique qui rend leur sig­ni­fi­ca­tion uni­verselle­ment acces­si­ble, tout en désig­nant presque tou­jours un pub­lic cible. Les nom­breux films sur le géno­cide rwandais (1994) ne font pas excep­tion. Le ciné­ma a été une source pri­mor­diale d’accès à cet événe­ment sanglant, et il domine, surtout en Occi­dent, le sou­venir et la com­préhen­sion de ce con­flit poli­tique qui a mar­qué l’histoire de l’Afrique. Tous ces films démon­trent un besoin com­pul­sif de don­ner une struc­ture au réc­it, qu’elle soit dans la nar­ra­tion ou dans la représen­ta­tion visuelle, et cela bien que les événe­ments his­toriques ne sur­gis­sent pas selon une struc­ture linéaire. De plus, ces films vis­sent une crédi­bil­ité ou une sincérité his­torique accom­plie moyen­nant une var­iété des tech­niques ciné­matographiques. Cet arti­cle éval­ue la mise en fic­tion du géno­cide a tra­vers le ciné­ma et ques­tionne le qua­si-inévitable effet-doc­u­men­taire que pro­duit son itéra­tion filmique. On y analyse « Un dimanche à Kigali » de Robert Favreau pour met­tre en évi­dence ses straté­gies d’investigation de la représen­ta­tion ciné­matographique de la vio­lence génocidaire.

Con­tem­po­rary Arab Music Video Clips: Between Sim­u­lat­ing MTV’s Gen­der Stereo­types and Fos­ter­ing New Ones | Ouidyane Elouardaoui

MTV est la pre­mière chaîne de télévi­sion à dif­fuser en per­ma­nence des clips musi­caux 24/24 dans les années 80, étab­lis­sant ain­si le genre. Générale­ment, les clips musi­caux arabes dif­fèrent des clips occi­den­taux parce que les artistes se sen­tent oblig­és de respecter les normes cul­turelles con­ser­v­a­tives des sociétés arabes. Néan­moins, la plu­part des clips musi­caux arabes, surtout ceux pro­duits dans la dernière décen­nie, réaf­fir­ment les stéréo­types occi­den­taux du sexe hérités de ceux pro­duits par MTV. En général, les clips musi­caux arabes con­tem­po­rains imi­tent le vocab­u­laire esthé­tique de MTV en lien avec la sex­u­al­ité fémi­nine et l’art de séduc­tion. Cer­tains nou­veaux réal­isa­teurs ont essayé d’éviter les clichés sur le sexe crées par MTV, mais ils ont créé des idées fal­si­fiées à leur place, à savoir, des représen­ta­tions où la femme est impérieuse et n’est pas digne de con­fi­ance. Cet arti­cle mon­tre que les artistes arabes doivent sans cesse défi­er les per­son­nal­ités religieuses locales dénonçant l’approbation des principes « anti-islamiques » qu’ils voient dans ces clips musi­caux. On emploie ici les straté­gies d’analyse de Stu­art Hall et de Pad­dy Whan­nel, dévelop­pées l’origine pour démon­tr­er que la musique pop­u­laire est une forme de trans­gres­sion cul­turelle de la jeunesse bri­tan­nique. Ces straté­gies se avèrent fort utiles afin de com­pren­dre le style cul­turel de la jeunesse arabe exprimé dans la musique populaire.

A Sur­re­al Land­scape of Dev­as­ta­tion: An Analy­sis of Lee Miller’s Grim Glo­ry Pho­tographs of the Lon­don Blitz | Lynn Hilditch

En tant que doc­u­ments de guerre sur­réal­istes, les pho­togra­phies du Blitz de Lon­dres par Lee Miller démon­trent ce que Susan Son­tang a appelé « la beauté en ruines ». Ernes­tine Carter a pub­lié ces pho­togra­phies dans « Grim Glo­ry: Pic­tures of Britain Under Fire » (1941). Elles ont une impor­tance esthé­tique en ver­tu de leur con­texte lié aux sur­réal­istes, et dans la pos­si­bil­ité de les analyser en regard de la théorie d’André Bre­ton sur « la beauté con­vul­sive ». Cet arti­cle pro­pose que les pho­togra­phies de Miller non seule­ment représen­tent le désor­dre et la destruc­tion de la Grande-Bre­tagne pen­dant le Blitz, mais qu’elles exposent aus­si l’affection des sur­réal­istes pour les jux­ta­po­si­tions étranges, évo­ca­teurs et humoris­tiques des représen­ta­tions visuelles artis­tiques d’un paysage plein des stat­ues effon­drées et des machines à écrire cassée.

In Search of Authen­tic­i­ty: Time and Space in Russ­ian Hor­ror Film | Vol­ha Isakava

Cet arti­cle est une inves­ti­ga­tion des récents films d’horreur qui cherche mon­tr­er la façon selon laque­lle les con­ven­tions hol­ly­woo­d­i­ennes ont été à la fois trans­for­mées et main­tenues dans le ciné­ma russe. On y pro­pose que l’emploi de l’espace (surtout les lieus urbains) dans les films d’horreur établit une authen­tic­ité et con­fère à pro­duc­tions autrement con­sid­érées génériques et non orig­i­nale son car­ac­tère spé­ci­fique­ment russ­es. Les films étudiés sont les deux « Night and Day Watch » (2004, 2006), « Track­man » (2007), et « Dead Daugh­ters » (2007) : tous ont été tournés dans le Moscou contemporain.

“We are Resilient by Force, not by Choice”—Terrifying Bom­bay in New Bol­ly­wood Cin­e­ma | Mehe­li Sen

Bom­bay, le cen­tre du ciné­ma Hin­di, a tou­jours servi d’image de la métro­pole mod­erne dans l’imaginaire de Bol­ly­wood. Néan­moins, au cours de la dernière décen­nie, la représen­ta­tion ciné­matographique de Bom­bay a subi des trans­for­ma­tions dras­tiques : la ville antérieure­ment con­nue pour ses guer­res entre ban­des dans les années 80 et 90 est main­tenant un lieu et une cible impor­tant du ter­ror­isme glob­al. Le por­trait d’une ville assiégée cor­re­spond à une série d’attaques qui ont han­té la métro­pole malchanceuse depuis 1993. Cet arti­cle pro­pose d’analyser le rap­port fluc­tu­ant entre Bol­ly­wood et sa ville orig­inelle à tra­vers deux films mar­quants « A Wednes­day » et « Amir » (2008). L’accent est mis sur la dialec­tique ente l’ordinaire et l’extraordinaire qui mod­ule les artic­u­la­tions de la ville et des citoyens. Dans les deux films un homme ordi­naire est con­vo­qué à exé­cuter des tach­es hors du com­mun afin de négoci­er sa posi­tion dans l’espace de dévas­ta­tion poten­tielle qu’est désor­mais Bom­bay. Les per­for­mances spec­tac­u­laires de la tech­nolo­gie et des appareils styl­is­tiques font de cette ville ciné­matographique un lieu affec­tif de la peur. L’article se con­cen­tre sur les straté­gies ciné­matographiques et de mon­tage qui domi­nent la mise en scène de la ville dans ces films.

À propos des contributeurs

Bir­ringer, Johannes : Johannes Bir­ringer est choré­graphe et directeur artis­tique de Ali­en­Na­tion Co. (www​.ali​en​na​tion​com​pa​ny​.com), ain­si que pro­fesseur de tech­nolo­gies de la per­for­mance à l’université Brunel à Lon­dres. Il a mis en scène divers­es per­for­mances de théâtre mul­ti­mé­dia, de danse, et de représen­ta­tion numérique en Europe, dans les Amériques, en Chine in situ, et exposé ses œuvres dans des fes­ti­vals de film et de vidéo. Il a fait jouer son instal­la­tion de danse inter­ac­tive inti­t­ulée « Suna no Onna » au Laban Cen­tre en 2007, puis, en 2009, son instal­la­tion de réal­ité mixte « UKIYO [Move­able Worlds] » y a débuté avant d’entamer une tournée d’Europe de l’Est en 2010. Il a égale­ment fondé un ate­lier de pro­jets de col­lab­o­ra­tions inter­ac­tives et de représen­ta­tion sur l’écran pour les artistes débu­tants (http://​inter​ak​tion​sla​bor​.de). Actuelle­ment, il codirige le DAP-Lab où se font des recherch­es en choré­gra­phie en cap­ture de mou­ve­ment, et dans le développe­ment de dis­posi­tifs élec­tron­iques inté­grés aux vête­ments. Sa plus récente mise-en-scène, inti­t­ulée « for the time being », est un opéra de danse futuriste.

Charey­ron, Romain : Romain Charey­ron a obtenu son doc­tor­at en ciné­ma français con­tem­po­rain à l’Université de l’Alberta (Edmon­ton, Cana­da) en 2010. Sa recherche a pour but d’analyser l’influence gran­dis­sante des gen­res pornographique et hor­ri­fique dans le ciné­ma pop­u­laire con­tem­po­rain. Sa recherche actuelle porte sur le con­cept du “mon­strueux” dans le ciné­ma français con­tem­po­rain. Ses travaux ont don­né lieu divers­es présen­ta­tions en Europe et en Amérique du Nord, ain­si qu’à des pub­li­ca­tions dans des divers­es revues inter­na­tionales. Il enseigne actuelle­ment à l’Université du Kansas.

Churchill, Bar­bra : Bar­bara Churchill enseigne dans le cadre du pro­gramme de lit­téra­ture com­parée à l’Université de l’Alberta. Ses intérêts de recherche inclu­ent la fic­tion et la cul­ture pop­u­laire (prin­ci­pale­ment les his­toire d’amour pop­u­laires), la lit­téra­ture et les arts visuels (prin­ci­pale­ment l’art mod­erniste/a­vant-gardiste du début du 20ème siècle).

Cur­ry, Renée R. : Renee R. Cur­ry est pro­fesseur de lit­téra­ture à l’Université d’État de Cal­i­fornie Mon­terey Bay où elle a occupé le poste de doyen de l’école des Beaux-Arts, les human­ités et sci­ences sociales. Elle a pub­lié plusieurs arti­cles et livres sur la lit­téra­ture et le ciné­ma pen­dant ses vingt-trois ans de car­rière de chercheur. Ces derniers temps, ses recherch­es se sont ori­en­tées vers les réal­isa­teurs Dar­ren Aronof­sky et Woody Allen.

Defra­eye, Piet : Piet Defra­eye est théoricien du théâtre, cri­tique, et met­teur en scène. Il a enseigné en Bel­gique, à Toron­to, à Fred­er­ic­ton (N.B), et à Edmon­ton (à l’Université de l’Alberta). Il a pub­lié sur les théâtres irlandais et québé­cois, sur la per­for­mance, l’opéra, le ciné­ma et le théâtre alle­mands con­tem­po­rains, de même que sur la théorie queer et la théorie de la récep­tion. Il a entre­pris un pro­jet de grande enver­gure sur l’itération du géno­cide dans le Dis­cours Cul­turel avec une con­cen­tra­tion sur le Rwan­da. Sa plus récente créa­tion en fait par­tie : une adap­ta­tion de The voice in the Clos­et de Ray­mond Fed­er­man (2012).

Elouardaoui, Ouidyane : Ouidyane Elouardaoui est doc­tor­ante Ful­bright dans le départe­ment d’études du ciné­ma et des médias à l’Université de Cal­i­fornie à San­ta Bar­bara. Elle mène des recherch­es sur les médias, le mélo­drame et les publics arabes con­tem­po­rains. Ses pub­li­ca­tions « Moroc­co : The Local­iza­tion Process and its Lim­i­ta­tions » et « Arabs in Post 9/11 Hol­ly­wood Films : A Move toward a more Real­is­tic Depic­tion ? », ont paru dans le jour­nal inter­na­tion­al de Ami­ty School of Com­mu­ni­ca­tion et dans les e-Pubs de l’Université Pur­due en 2011.

Hilditch, Lynn : Lynn Hilditch est tit­u­laire d’un doc­tor­at de l’Université de Liv­er­pool. Elle a enseigné et don­né des con­férences sur les divers aspects des arts et de la cul­ture visuels, y com­pris l’histoire et la théorie du ciné­ma, la pho­togra­phie et le mod­ernisme, le pho­to­jour­nal­isme, et l’esthétique. Ses intérêts en matière de recherche sont les représen­ta­tions de la guerre et de la destruc­tion dans les arts plas­tiques et la pho­togra­phie, ain­si que la représen­ta­tion de l’Holocauste dans les arts visuels. De plus, elle s’intéresse à la représen­ta­tion de sex­es dans la cul­ture du 20ème siè­cle. Dans sa thèse, elle s’est con­cen­trée sur la pho­togra­phie sur­réal­iste de Lee Miller, une cor­re­spon­dante améri­caine pen­dant la Deux­ième Guerre Mon­di­ale, et par­ti­c­ulière­ment sur la pos­si­bil­ité d’analyser ces pho­togra­phies en tant qu’exemples de « doc­u­men­taires sur­réal­istes ». Elle a pub­lié sur divers aspects de la cul­ture visuelle, y com­pris l’esthétique et la guerre, le sur­réal­isme et la pho­togra­phie, le sou­venir et la com­mé­mora­tion, et la « fan cul­ture » liée à l’image publique d’Audrey Hep­burn. Elle est mem­bre du Desmond Tutu Cen­tre for War and Peace Stud­ies à l’Université de Liv­er­pool Hope.

Isaka­va, Vol­ha : Vol­ha Isaka­va enseigne à l’Université d’Ottawa comme pro­fesseure adjointe. Ses recherch­es por­tent sur la cul­ture et le ciné­ma post-sovié­tique, sur la con­tem­po­ranéité russe, sur le ciné­ma transna­tion­al, et sur la coali­tion cri­tique entre le ciné­ma et l’histoire. Elle a obtenu son doc­tor­at de l’Université de L’Alberta avec une thèse sur le ciné­ma de la per­e­stroï­ka, qui se con­cen­tre sur la réver­béra­tion de cette tran­si­tion his­torique dans les « cher­nukha », par­fois con­sid­érés comme les plus som­bres films de la Russie.

Lozowy, Andriko : Andriko Lozowy (PhD Uni­ver­si­ty of Alber­ta) est un chercheur et pho­tographe basé au Cana­da. Ils s'intéresse aux mode de vie liés au pét­role, à la recherche col­lab­o­ra­tive, aux méth­odes d'investigation visuelles, et aux sphères post-disciplinaires.

Oni­ta, Adri­ana : Adri­ana Oni­ta est née en Bucarest en Roumanie. Elle est tit­u­laire d’un bac­calau­réat en langues romanes avec men­tion de l’Université de l’Alberta où elle fait actuelle­ment sa maîtrise en espag­nol actuelle­ment. Elle occupe en même temps un poste d’éducatrice bilingue à la Art Gallery of Alber­ta. Elle a étudié la poésie sous la direc­tion de Bert Almon, Shaw­na Lemay et Derek Wal­cott à Edmon­ton et à St. Lucia.

Schlüter, Daniela : Daniela Schlüter a été élevée à la cam­pagne à Süd­lohn en Alle­magne. Après ses études à la Ruhrakademie Schw­erte et à la Fach­hochschule Mün­ster dans le départe­ment de Print­mak­ing, Illus­tra­tion and Design, elle a obtenu une maîtrise en Beaux-Arts de l’université Con­cor­dia en Mon­tréal en 2004, dans le cadre du pro­gramme DAAD. Entre 2003 et 2004 elle a rem­porté, le prix HEXAGRAM de l’Institute for Research/Creation in Media Arts and Tech­nolo­gies, ain­si qu’une bourse de Alde­gr­ev­er Gesellschaft Mün­ster . Ses travaux com­pren­nent des impres­sions en taille-douce, des médias mixtes sur papi­er, de la vidéo et des livres d’artistes. Elle a exposé en solo et en groupe dans le cadre d’événements ponctuels ou bien­nales aux États Unis, au Cana­da, et au Moyen-Ori­ent. Dans son œuvre, on trou­ve l’expérience du monde actuel en frag­men­ta­tion : la frag­men­ta­tion indi­vidu­elle et celle de l’expérience sociale, la lim­ite entre celles-ci étant sur le point de dis­paraître. Son œuvre est une médi­ta­tion qui a son orig­ine dans la tra­di­tion sym­bol­ique et qui pro­pose notam­ment que le sym­bole du génome humain est une expres­sion de l’espoir et de la peur. La plu­part des images y ont pour but de faire com­pren­dre les réal­ités vécues de la biotech­nolo­gie et de la vie-même : elles offrent de nou­velles per­spec­tives qui invi­tent le spec­ta­teur à inter­a­gir avec elles en décou­vrant divers pos­si­bil­ités de réc­it. L’artiste veut inviter le spec­ta­teur à entr­er et de à sor­tir de son œuvre, de l’encourager à inter­a­gir avec des images, des sym­bol­es mythologiques, et des allu­sions philosophiques. Daniela Schlüter a vécu à New York, alors qu’elle était pro­fesseure adjointe au Col­lege Feli­cian dans le New Jer­sey. Actuelle­ment, elle est pro­fesseure adjointe de gravures à l’Université de l’Alberta à Edmon­ton au Cana­da. Elle donne égale­ment des cours à Druck­vere­ini­gung Bent­lage, en Allemagne.

Sen, Mehe­li : Mehe­li Sen est pro­fesseure adjointe dans le départe­ment des langues et lit­téra­tures de l’Afrique, du Moyen-Ori­ent et de l’Asie du Sud (AMESALL), ain­si que dans le départe­ment d’études ciné­matographique à l’Université Rut­gers. Son domaine de recherche prin­ci­pal est le ciné­ma pop­u­laire hin­di de l’après-Independence, qu’on appelle habit­uale­ment « Bol­ly­w­wod ». Elle s’intéresse à la manière dont la représen­ta­tion du genre, du sexe et de la sex­u­al­ité dans le ciné­ma per­met de négoci­er des moments par­ti­c­uliers du ren­con­tre dif­fi­cile de l’Inde avec la moder­nité et la glob­al­i­sa­tion. Sen a pub­lié dans « The Jour­nal of the Mov­ing Image » et « South Asian review ». Elle a égale­ment édité l’anthologie Bol­ly­wood and Glob­al­iza­tion : Indi­an Pop­u­lar Cin­e­ma, Nation and Dias­po­ra. Elle col­la­bore actuelle­ment à la révi­sion d’une antholo­gie inti­t­ulée Fig­u­ra­tions in Indi­an Film, à paraître chez Pal­grave-Macmil­lan, et elle mène des recherch­es sur les gen­res « B », surtout l’horreur, dans le sys­tème Bollywood.

Siemens, Ele­na : Ele­na Siemens est pro­fesseure agrégée dans le départe­ment des langues mod­erne et d’études cul­turelles de l’Université de l’Alberta. Elle est auteure de The­atre in Pass­ing: A Moscow Pho­to-Diary (Intel­lect 2011), et coéditrice d’un dossier à paraître : The Dark Spec­ta­cle: Land­scapes of Dev­as­ta­tion in Film and Pho­tog­ra­phy (Space and Cul­ture), et Scan­dals of Hor­ror (Imag­i­na­tions).